コンサートの夜、ハノイ音楽院の講堂には空席がありました。Rhapsody on a Theme of Paganiniの最後のハーモニーが鳴り響き、完全に消え、拍手が鳴る前に講堂は数秒間静まり返りました。
多くの観客にとって、これは人気のあるパフォーマンスであるだけでなく、ラフマニノフのラプソディが最初から最後まで完全に、明確な構造で演奏される珍しい機会です。
パガニーニをテーマにしたラプソディは、セルゲイ・ラフマニノフが1934年にアメリカに定住し、キャリアの晩年に入ったときに作曲されました。
多くの観客にとって、パガーニーニ・ラプソディは、その背景から脱却したほど有名な叙情的なアレンジであるバリエーション18を通してよく記憶されます。しかし、作品全体を聴いて初めて、ラフマニノフが感情を満たすために音楽を書いたわけではないことがわかります。
これは危険な会話であり、ピアノとオーケストラが絶えず対話し、嘲笑し、互いに照らす場所です。美しさが儚い瞬間のように現れる場所です。そのため、「Rhapsody on a Theme of Paganini」の指揮方法は、指揮者間で非常に明確に異なります。
指揮者のグエン・カック・タインは、古典的なバージョンと直接競合しようとはせず、より控えめな方法を選択しました。ラフマニノフを音楽建築家として読むことです。最初のバリエーションから、彼は安定したリズム軸を確立しました。これは、リステスソテンポの指示が満載の作品にとって特に重要です。そこでは、動きの感覚が非常に耳を欺きやすいです。オーケストラは、技術サーカスのようにパガーニの「演技」に巻き込まれることなく、冷静に進行します。
この指揮方法は、ピアニストのグエン・ベト・チュンのパフォーマンスと密接に結びついています。チュンはオーケストラを圧倒しようとはしません。彼のピアノの音は、すっきりとしていてクリアで、手の力を制御し、対話のための多くのスペースを確保します。ピアノは全体的な展開を導くのではなく、オーケストラからの音の層に応答します。
この連携は、ピアノとオーケストラが常に主導的な位置を変える中心的なバリエーションに明確に表れています。グエン・カック・タインは非常に規律正しくリズムを維持し、音楽グループが正確に入力し、作品の流れが途切れないようにします。
バリエーション間の移行はシームレスに行われ、過度に強調されていません。この曲が、構造と厳密さを尊重する適切な指揮個性を持つ指揮者を見つけたことで、ハノイの聴衆は幸運だったと言えます。
曲の美的クライマックスは、もちろん、バリエーション18にあります。このバリエーションでは、ラフマニノフはパガーニーニのメロディーを逆転させ、20世紀で最も有名な叙情的な曲の1つであるレギュラーボイスに切り替え、多くのパフォーマンスがリズムを遅くし、弦を厚くし、ピアノに感情を最大限に押し上げる方法を選びました。
グエン・カック・タインはその方向に進んでいません。ヴァリエーション18のリズムは安定しており、過度に伸ばされていません。弦楽器は柔らかく演奏しますが、音響空間全体を覆っていません。ピアノはメロディーを明確に保ち、ロマンスを過度に強調しません。クライマックスは適切な場所に到着し、その後、すっきりと閉じます。
この処理により、バリエーション18は単なる「ストップポイント」ではなく、作品全体の流れの中に残りました。その後のバリエーションが風刺的な雰囲気に戻り、ディアス・アイアが登場すると、音楽論理は完全に維持されます。
結末部分では、ラフマニノフがいたずらっぽいジェスチャーで作品を締めくくり、グエン・カック・タインは断固とした締めくくり方を選びました。余韻を長くせず、クライマックスを追加しませんでした。オーケストラは適切な場所で停止しました。
ハノイの聴衆にとって、コンサートは単なる有名な作品を聴く機会ではありません。それは、パガーニニのテーマに関するラプソディを、すべてのバリエーションが位置づけられ、美しさが構造が尊重されたときにのみ現れる全体として捉えることです。
